La música popular siempre evoluciona.

Hace pocas fechas, en una de esas tertulias que espontáneamente se montan en cualquier 

balcón, patio o terraza estas sofocantes noches de verano con el propósito de capear de la 

mejor manera el bochorno que te hace sudar hasta por las uñas y en la que la bebida que 

más corre es el café, eso sí, descafeinado, con hielo (con mucho hielo, por favor), supongo 

que influidos por la música que se oía en los diferentes canales que llegaban hasta nosotros 

y que conformaban una suerte de “fondo musical” a nuestra reunión, alguien se preguntó por 

lo que se pensaría en el futuro del rap, el hip-hop, el reggaeton,… y si alguna de esas formas 

influiría en el futuro mismo de la música. 

 

Después de largo rato de debates que acabaron en algunas conclusiones, naturalmente 

inconclusas, flotando ya en el ambiente la pre-modorra indicativa de que el bochorno 

empezaba a amainar y se podía conciliar el sueño, la verdad es que el tema da lo suficiente 

de sí como para seguir cavilando sobre él. Y lo primero que se nos ocurre es que, si 

hablamos de influencias musicales, ¿a qué música nos referimos? Seguramente a la música 

popular que, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que 

tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través 

de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música llamada culta o 

clásica, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden bien 

académicamente o bien por vía oral en su caso, a audiencias en general más pequeñas. 

Entrando en materia, esta dualidad, que no hacía sino reflejar la división cultural (¿y social?) 

del público, empezará a cambiar con el desarrollo de la Revolución Industrial. El crecimiento 

de las ciudades, la burguesía y el florecimiento de una clase media urbana interesada en la 

cultura, promueven la aparición de espectáculos músico-teatrales que serán el caldo de 

cultivo para la creación y divulgación de canciones y otras composiciones que irán 

conformando una nueva corriente, la música popular urbana. 

Junto a este desarrollo del mundo del espectáculo se produce también un progresivo 

acercamiento de la música a los hogares de la gente, basado por un lado en el abaratamiento 

de los instrumentos musicales, y por otro en una disponibilidad cada vez mayor de partituras 

creadas para el consumo doméstico. Paralelamente, desde los añorados discos de vinilo a 

los casetes (¿quién los recuerda?), CD, reproductores de MP3 y servicios de transmisión, la 

manera en la que escuchamos música ha evolucionado de manera rápida con el paso de los 

años. 

La música está siempre estrechamente relacionada con otros aspectos de la cultura, como 

la organización económica, el desarrollo tecnológico, tradiciones, creencias religiosas, 

avatares políticos y/o sociales, etc., como resultado de lo que se ha demostrado, la íntima 

relación entre la especie humana y la música, y, por tanto, la evolución de la música abarca 

todas las sociedades y épocas pese a que, por esa manía tan nuestra de vivir mirándonos el 

ombligo, a menudo se utiliza la expresión «historia de la música» para referirse 

exclusivamente a la historia de la música europea (o estadounidense si acaso) y su evolución 

en el mundo occidental.  

No vamos (¡Dios nos libre!) ni a acercarnos a “pontificar” sobre la evolución musical, sobre la 

que hay publicados numerosos y magníficos análisis de reputados estudiosos, pero, 

acogiéndonos a los principales rasgos de la música actual, vamos a detenernos en un par de 

anécdotas indicativas de influencias culturales. El  marco actual es el derivado del rock and 

roll, que nació en Estados Unidos en los años 50 del pasado siglo como una música animada 

y de ritmo rápido que surgía fundamentalmente de un maridaje entre el rhythm and blues 

negro y el country blanco pero que tuvo que ceder protagonismo ante el avance de una 

nueva oleada de grupos británicos que habían recibido, precisamente, la influencia del rock 

and roll como The Beatles o The Rolling Stones, que contribuirían notablemente a la 

evolución del rock y al surgimiento de la nueva cara de la música popular blanca: la música 

pop, al tiempo que se consolidaron nuevas tendencias musicales contrapuestas entre los 

norteamericanos de color, como el soul y el funk.  

Desde el punto de vista cultural (contracultural dirán algunos), desde la segunda mitad de la 

década de 1950, escritores de la llamada Generación Beat como William Burroughs, Jack 

Kerouac y Allen Ginsberg escribieron sobre sus experiencias psicodélicas: sinestesia, 

alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la identidad, empatía, etc. causadas, 

en general, por el consumo de productos alucinógenos, concienciando sobre ellos y ayudando 

a popularizar su uso. Sin entrar en detalles prolijos y volviendo a la música, los conocidos y 

respetadísimos The Beatles introdujeron muchos de los principales elementos del sonido 

psicodélico a un público mayoritario a mediados de la década de 1960, por ejemplo, con el 

álbum Rubber Soul y otras canciones, más o menos explícitas con el consumo de droga, 

que aparecieron en su álbum Revolver y posteriores.

Pero veamos la influencia de la psicodelia en el devenir de la música. Iron Butterfly 

(Mariposa de hierro, toma ya nombrecito, un nombre que trataba de definir el sonido de la 

banda, lo liviano en el vuelo de una mariposa, y lo pesado a través del hierro. Pocos nombres 

podrían definir el sonido de un grupo de esta manera para un disco que consiguió algo 

impensable en los tiempos actuales; lograr un disco de platino. El primer disco de platino de 

la historia. No está mal para una banda psicodélica) fue un grupo californiano de rock de 

existencia azarosa, recordados hoy, casi exclusivamente por su canción de 1968 In-A-Gadda-

Da-Vida, tema de rock de ¡diecisiete minutos! (algo impensable entonces), incluido dentro 

del álbum del mismo título. Musicalmente hablando, la canción incluye un memorable fraseo 

musical de guitarra y bajo, lo sostiene durante más o menos toda la duración del tema y sirve 

como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por 

un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock y probablemente 

uno de los más famosos en este género. Cuenta la leyenda que el nombre original de la 

canción era In the Garden of Eden (En el jardín del Edén), pero durante los ensayos de 

grabación, estando los integrantes de Iron Butterfly “colocados” bajos los efectos del LSD, el 

batería preguntó el titulo de la canción desde lejos al vocalista quien, en respuesta, balbuceó 

algo inteligible que fue anotado por el batería en un papel como In-A-Gadda-Da-Vida. Más 

tarde, y más sobrio, el vocalista leyó aquel galimatías y le pareció buena idea usarlo como 

título. Y así se quedó.

Con In-A-Gadda-Da-Vida, estamos posiblemente ante el tema más oscuro de la música de la 

época. Los coloridos florares de la California hippie (el flower power) se trasmutan en una 

larga composición, en la que el órgano barroco crea una ambiente pastoral. Las tinieblas 

arropan la composición, en los 17 minutos hay margen para que cada miembro de la banda 

demuestre sus habilidades con su instrumento. Poderosos y pesados fraseos de guitarra, con 

un hipnótico bajo, quizás no suficientemente valorado, ya que su peso en el tema es evidente, 

y con un solo de batería a la altura de los más grandes de la historia. Los rasgueos de guitarra 

aparecen chirriantes sobre el letargo de un órgano que parece haberse quedado atrapado en 

sí mismo. Tras el solo de batería, el órgano devuelve majestuoso a la letanía. Todo un 

aquelarre que culmina en la parte más lúdica del tema. La canción es importante en la 

historia del rock porque, junto con las obras de Blue Cheer (Summertime blues) y  

Steppenwolf (Born to be wild), marcó el punto en el cual la música psicodélica produjo heavy 

metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal y de rock progresivo como 

Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido y, más incluso de sus 

actuaciones en directo, a esta grabación.  

Todo un incunable sonoro, que más de 50 años después sigue vigente para deleite de 

nuevos adeptos o para la revisión de los viejos, y que ha tenido múltiples reediciones 

incluyendo distintos bonus con variadas versiones del tema principal. La estética también 

cuenta: la apoteósica portada del disco, en la que aparece la banda sobre un escenario 

presidido por los audiovisuales lisérgicos de la época, hace que los músicos se vean 

minúsculos ante la grandilocuente estampa que tienen a sus espaldas. Lo importante no son 

ellos, sino la música que destilan y las sensaciones ácidas que tratan de transmitir. Desde 

luego, es el claro reflejo de un momento de la historia en el que la cultura del rock, a partir 

de ahí, ya no tuvo freno. ampliando sus horizontes musicales, y pasando a crear e influir 

muchos nuevos géneros musicales incluyendo el rock progresivo, krautrock, rock electrónico, 

jazz rock, heavy metal, trash metal, glam rock, funk, electro,,...La música psicodélica fue 

revivida en la década de 1980, en el hip hop psicodélico y reapareció en la música electrónica 

en géneros como el acid house, trance y new rave. 

 

La siguiente anécdota, casi coincidente en el tiempo con la de Iron Butterfly, rompe los 

esquemas usuales de identificar la llamada música negra sólo con cantantes de color y no 

blancos, pese a haber excepciones más que conocidas: Joe Cocker, Rod Stewart, Bobby 

Hattfield de Righteous Brothers, Jökull Júlíusson de Kaleo y un largo etcétera.

En 1961, en la ciudad estadounidense de Detroit, se formó un  grupo musical con el nombre 

de The Sunliners y durante varios años, se movieron en el terreno de la música conocida 

como “negra”, el soul y blues. En 1968 cambian el nombre por Rare Earth y, después de un 

primer álbum que pasa desapercibido, firman con la discográfica Motown Records (también 

conocida como Tamla-Motown, especialmente dedicada a la música afroamericana) - ¿un 

grupo de blancos en la Motown? - Realmente no directamente, pues la Motown crea un sello 

sólo para ellos, y lo llama igual que la banda, Rare Earth. Para el primer disco que publican 

con el sello recién creado, utilizan en parte material que ya tenían previsto para su antigua 

discográfica y, como queda una cara vacía entera, la rellenan con una versión extensísima 

de Get Ready, de The Temptations, tema meloso compuesto en 1966 por Smokey Robinson 

y que no tiene el éxito esperado. Hasta 1970, bastantes artistas la versionan, The Supremes, 

Dusty Springfied, The Miracles y finalmente Ella Fitzgerald. En 1970 (algunas fuentes citan el 

1969), Rare Earth se hace con la canción, y saca una versión “live”, de cerca de veintidós 

(¡¡22!!) minutos de duración, en la que cada músico tiene su momento de gloria e interpreta a 

su manera la canción en distintos solos. Luego se supo que los gritos del público que se 

oyen en la grabación se añadieron después, y que no fue una versión en público, sino en un 

trabajo de estudio en toda regla. Da igual, el resultado es una enorme mezcla de soul y rock 

que no aburre en ningún momento a pesar de su duración. Añadiendo más carga de rock and 

roll pero conservando el resto de estilos (soul, rhythm and blues, funk etc), se dió la anécdota 

de que el, gratamente sorprendido, público blanco creyó que los Rare Earth eran negros, 

resultando así éste el único grupo de “white men” que alcanzaría un éxito masivo con la 

propia discográfica de Detroit.